David Dominguez

¿El diseño es arte?

2012-01-22T18:09:00.001+01:00

Este texto, inventado por Joan Costa , nos da unas pautas y pasos para entender realmente si el Diseño es o no arte. Esta conversación simula un maestro y su alumna. Espero que os guste.

-¿El diseño es arte?

-No, querida. Diseño es diseño.

-No me negarás que el arte y el diseño tienen mucho en común....

-También tú y yo tenemos mucho en común, pero somos diferentes. Lo que tenemos en común pertenece a la especie. Pero lo que define nuestra identidad como individuos únicos e irrepetibles no es lo que tenemos en común, sino justo lo que nos es propio psicológica y culturalmente.
La teoría de la Forma ya nos enseñó que la percepción asocia lo que se parece. Pero cuando vas más allá de la percepción en busca de un conocimiento, y encuentras una sola diferencia, entonces sigue observando y descubrirás más y más diferencias. Las únicas semejanzas entre arte y diseño son puramente formales. Pero La Gioconda y la marca de Mercedes son algo más que formas.

-Pues no deben ser muy diferentes, porque hay artistas que hacen diseño y diseñadores que hacen arte.

-Uno puede hacer muchas cosas distintas, pintar un cuadro, diseñar un cartel, cocinar y jugar al ajedrez. Lo esencial de tu pregunta no es la persona que hace la cosa, sino la cosa que hace esta persona: ¿arte o diseño? O más exactamente: lo que interesa es la naturaleza de esas cosas.

-Tú dirás lo que quieras, pero hay diseños que tienen valores artísticos innegables.

-“Lo artístico” no es el arte. Leonardo, Van Gogh o Picasso no son “artísticos”. El adjetivo “artístico” está ligado al acto de la creación. Pero estamos hablando de sustantivos y con mayúscula: Arte y Diseño. Desconfía del adjetivo “artístico” cuando se aplica a algo que no es arte. Pero desconfía también del “diseño” como adjetivo: muebles de diseño, ropa de diseño, peluquerías de diseño o drogas de diseño.

-Entonces, si hablamos de arte, ¿tenemos que pensar en belleza, en una cierta poética?...

-La belleza o la poética es lo que a menudo es la razón de la obra de arte. La belleza, o incluso la fealdad, es al arte lo que la estética es al diseño. Pero una estética funcional. El diseño no es arte pero vive de él porque se alimenta de sus diferentes estéticas. De ahí vienen las confusiones.

-Pues yo comparo diseño con Kandinsky, Klee y Mondrian.

-¿Y por qué no con Rubens, El Greco o Grünewald?

-Pues porque no tienen nada que ver.

-¡Cómo que no! ¿No hablamos de arte?

-Sí pero no del arte clásico.

-Entonces tu pregunta está mal formulada o plantea un falso problema. En cualquier caso, ¿a qué arte te refieres? Si lo que piensas es si el diseño es arte postimpresionista, o expresionista, o informalista, o surrealista, entonces la pregunta todavía tiene menos sentido.

-Pues vamos a darle la vuelta. ¿Bacon, el cubismo, una performance y una instalación son arte?

-Sí. Son expresiones distintas de lo esencial.

-¿Y qué es lo esencial?

-Lo esencial es que el arte se hace preguntas y el diseño soluciona problemas.
El cubismo, la abstracción no son experimentos, son cuestionamientos sobre la vida, el mundo, nuestras ideas sobre todo esto, la sociedad, los valores, la mente humana.

-¿Preguntas sobre la mente?

-Sí, sobre la naturaleza humana. Tú sabes que la geometría, la matemática, el espacio y el tiempo no están en el entorno, sino en nuestro modo de percibirlo y de concebirlo. Están en nuestro cerebro. El arte cubista proyecta formas mentales en la representación pictórica del mundo. Y estas formas son geométricas porque salen de dentro, no están afuera. Los pintores divisionistas o puntillistas tuvieron una intuición genial sobre la naturaleza de la luz, de la visión y de la percepción del color. Cuando Kandinsky, Klee o Mondrian cierran los ojos a la realidad externa y miran hacia adentro, su lenguaje plástico es la forma pura (el “signo absoluto” como decía Walter Benjamin), la geometría, el color puro, el signo gráfico, el punto, la línea. En la Naturaleza no hay líneas ni contornos, pero sí están en la naturaleza del signo, el dibujo y la escritura.

-Decir signo, dibujo y texto es hablar de diseño.

-Hablo de grafismo, que no es lo mismo. Grafismo es el universo de “lo gráfico”, lo que los griegos llamaron graphein cuando encontraron, en la mano humana, la raíz común del dibujo y el escrito.

-Por eso hablamos de arte gráfico.

-Es bien cierto que hay arte gráfico y también diseño gráfico. El primero es el dibujo y el grabado de las Bellas Artes. El segundo es la praxis que nació con la imprenta gutenberguiana, el dibujo de los tipos de letra, la composición de la página impresa (por cierto, con la “proporción áurea” o el “número de oro”, que definían la arquitectura de la página impresa, es decir, una síntesis de la geometría y la matemática: cosas mentales). Después vino el cartel, que ya no está emparentado con el dibujo sino con la pintura. Que no es el mundo de la línea sino de la mancha. Luego vendría la Bauhaus en pleno industrialismo, que convirtió la praxis artesana del disñeo al rango de disciplina.
Arte gráfico y diseño gráfico tienen en común el graphein, es decir, el origen, que no es otro que la mano que “traza”. Pero uno sigue siendo arte y el otro diseño.

-Siguiendo tus razonamientos sobre las diferencias, también podríamos añadir que el diseñador trabaja para un cliente que le paga y juzga su trabajo.

-Es así pero sólo hasta cierto punto, porque también grandes artistas eran pagados ya fuera por donantes, mecenas o cortesanos. Lo que es esencial aquí no es que el diseñador reciba dinero por su trabajo, lo cual es justo, sino que quien le paga -su cliente-le impone el objetivo, el fin, la función de lo que ha de hacer e incluso lo que debe conseguir. No le dirá cómo debe hacerlo (éste es el campo de libertad del diseñador), sino qué debe hacer para lograr el objetivo de su cliente.

-Ya, el artista es libre. Nadie le impone un objetivo. Esto enlaza con lo que decías sobre la función del diseño, que es resolver problemas.

-Así es. El diseño no tiene otra ideología que la eficacia.

-Bueno, pero imagino que Goya quería ser eficaz...

-La eficacia es el objetivo del pragmatismo, no del arte. El diseñador gráfico busca la eficacia en la solución de un problema de comunicación, igual como el diseñador industrial busca la eficacia en un problema de funciones.

-El objeto industrial también comunica.

-Pero su función primera y esencial no es comunicar. Y sí es comunicar la función primera y esencial del mensaje gráfico. Un objeto no es un mensaje. Y si decimos que un objeto como unas tijeras o un zapato comunican es porque todo lo que es visible, toda forma, significa.

-Si el diseño es comunicación, el arte también es comunicación, del artista con el público.

-Y hablar por teléfono también es comunicación. Pero insisto. Lo esencial no es que todo lo que percibimos comunique, cada cosa a su manera, sino qué es lo que se está comunicando. Y sobre todo, para qué. El diseñador quiere seducirte para que compres un producto, para meter una marca en tu cabeza, para que votes a un candidato o para que no te extravíes por los laberintos de monstruosos aeropuertos como el de Madrid Barajas. Estas son funciones del diseño. Que bien poco tienen que ver con el arte. Porque el artista no se conforma al mundo sino que se le opone.

-Sin embargo, los diseñadores no han cesado de preguntarse si el diseño es arte, ¿por qué, entonces?

-Yo veo en esta fijación del diseñador gráfico una parte de nostalgia histórica. El artista nunca se pregunta si eso que está haciendo será diseño. Tampoco los otros profesionales del diseño cuando diseñan una cafetera, un tractor o un frigorífico se preguntan si acaso están haciendo arte. Esto tampoco se lo plantean Calvin Klein o Toni Miró. Y veo aquí otro signo, un tanto freudiano, que revela la frustración de muchos diseñadores gráficos, que empezaron soñando con ser artistas y han acabado siendo operadores. Pero siguen empeñados en meter el arte en su trabajo como sea, y hablan de “arte final” y de “dirección de arte”. ¿Por esnobismo o por consolarse?

-Palabras....

-En el mundo del diseño, que es un mundo de símbolos, las palabras son fundamentales. La palabra diseño está muy connotada del disegno del Renacimiento italiano, que significa, como quería Vasari, el Dibujo, “el padre de nuestras tres artes: Arquitectura, Escultura y Pintura”.
Por el contrario, la palabra design es más precisa. Corresponde claramente al industrialismo nacido en Inglaterra, a la cultura técnica, que es la nuestra nos guste o no.

-Dime, ¿cuándo nace el arte?

-En la prehistoria, con el sentimiento simbólico de sapiens, que no sabía lo que era arte.

-¿Y el diseño?

-En el Renacimiento germano-italiano. Nace como grafismo con la imprenta gutenberguiana, o sea, a través de un medio técnico de producción. Y se consagra como diseño con la Bauhaus, en plena revolución industrial. El diseño (design) es hijo de la economía de producción.

-No sé si me has convencido, pero me has dado mucha materia para pensar.

Composición Tipográfica: Opuestos

2011-12-13T19:32:00.003+01:00

Neutralidad

Acento

Actividad_ Pasividad

Regularidad

Irregularidad

Economía

Profusión

Unidad

Fragmentación

Predictibilidad

Espontaneidad

Sutileza

Audacia

Transparencia_Opacidad

Coherencia

Variación

Realismo

Distorsión

Wallpaper David Dominguez

2011-11-19T14:26:00.000+01:00

Con motivo de la apertura de la página de Facebook DavidDominguez ::Design&Music:: he creado un Wallpaper para invitaros a participar, ver y descargar todo tipo de cultura artistica:

Visitame y comparte: DavidDominguez ::Design&Music::

IRONIAS

2011-11-19T10:59:00.000+01:00

Entre parado y preparado no hay más que un prefijo, distancia que, si nunca fue excesiva, con la crisis se ha reducido hasta extremos insoportables.

De hecho, ahora todos los trabajadores somos, en potencia, preparados. La recomendación tradicional de los padres ("hijo, debes formarte para estar preparado") ha devenido en una ironía sangrienta, igual que la expresión "jamás hemos tenido una juventud tan preparada".

En efecto, nunca hemos tenido una juventud tan cerca de quedarse en el paro; la mitad de los que acaben sus estudios este año se encuentran ya en situación de preparados.

El significado se desliza por debajo de las palabras con el sigilo de una sombra asesina. Estar preparado, que en otro tiempo quiso decir haber estudiado dos carreras y cuatro idiomas, significa hoy encontrarse en la situación previa al desempleo, en el umbral del paro, en la frontera de la desesperación laboral. Ahora que habíamos logrado vivir como si no fuéramos a morir nunca, vamos a la oficina con la certidumbre de que nuestro empleo es la antesala del desempleo.

Por eso hay también más trabajadores prejubilados que jubilados y contribuyentes más preocupados que ocupados. Hubo un tiempo, ¿recuerdan?, en el que el prefijo de moda fue pos: nos encontrábamos de súbito en la posmodernidad, en la poshistoria, en la era posindustrial o posanalógica.

Parece mentira que un cambio de prefijo implique un cambio tan grande de cultura. Ahora todo es más premeditado que meditado, hay también más prejuicios que juicios y presentimos las cosas antes de sentirlas. Perdido su prestigio el pos, nos hemos dado de bruces con el pre.

Pero no imaginábamos, la verdad, un pre tan duro, un pre de premonición, sobre todo sabiendo como sabemos desde el principio de los tiempos que no hay presentimientos buenos, pues no existen los profetas de la dicha

Cualquiera puede diseñar

2011-11-12T15:43:00.001+01:00

Cualquiera puede diseñar y si una persona diseña, esa persona es un diseñador... gramaticalmente hablando, claro.

Ahora bien, NO cualquiera puede diseñar bien, y si una persona NO diseña bien, no debería llamarse diseñador, profesionalmente hablando.

El acto de diseñar, como la mayoría piensa que funciona, no es coger una foto, un dibujo, unas letras y con el programa de edición favorito a editar para que quede "bonito"; meterle efectos, filtros, capas y capas, sombras, luces, contrastes...

O simplemente coger y creerse un BUEN diseñador y pensar en minimalismo, vanguardismo, arte contemporáneo, moda y meterle a ese "GRAN" diseño un punto de color, una forma sutil con una letra de tipo palo seco con una serif mínima y listo, "diseñado".

Hago un hincapié criticando este tema, ya que, para empezar a diseñar no hay que hacer un estilo minimalista, ni retro, ni... es hacer un proceso de información; estudios, investigación, interpretación, psicoanálisis, caracterización, conceptualizar, traducir, objetivar... palabras que la mayoría de los "diseñadores" (gramaticalmente hablando) no conocen y/o no practican.

De ahí, partimos en que no tenemos que creernos ser diseñadores, puesto que la palabra "diseñador" es sinónimo de "cliente" o "consumidor". Cuando estamos diseñando, estamos poniéndonos en la piel del cliente, del que consume y no del artista que crea un arte, ya que el diseño no es arte, sino mas bien una mezcla entre psicosociología y narración gráfica.

Cuando un cliente dice como hacer las cosas a un diseñador real, ese mismo acto hace que el diseñador deje de serlo, con lo cual, no se le está ni valorando, ni pagando el verdadero trabajo de diseñar, sino se le está pagando por congestionar una imagen preconcebida sin base, ya que entonces no tendría sentido el contratar a un diseñador para ello. Millones de personas saben usar el photoshop al nivel de reflejar la idea del cliente que tiene claro como hacer si imagen, su logo, su cartel... su "diseño".

Por ello, las palabras, diseño y diseñador pierden su significado real al usarlas y practicarlas vilmente desprestigiando el trabajo de investigación y seducción visual que requiere.

Un consejo que suelo dar, sin caer en la mala costumbre de pensar en "¿me están diciendo lo que tengo que hacer?" (cada uno es libre de sus actos) es el siguiente:
Si contratan a un diseñador, pónganse en la confianza de quién están contratando ya que les están pagando por eso mismo. Si no están seguros de que el trabajo que les vaya a realizar es bueno, solamente fíjense y exijan un seguimiento del proyecto y verán, si es el caso de un BUEN diseñador, que realmente no están pagando sino que están invirtiendo en algo merecedor.

Escanergrafía: Series Energía y Astros

2011-10-22T16:21:00.001+02:00

Serie: Astros

“Las estrellas dibujan en nuestros ojos los relatos épicos congelados, los cantares refulgentes del espacio invicto.”

Hart Crane

Objetivo

El objetivo principal de la serie “Astros” es llegar a ver objetos comunes como son piedras y rocas en algo más inmeso a lo que no estamos acostumbrados a ver y mucho menos a poder fotografiar llegando a dar esa sensación de extraño y planetario.

Descripción

Los materiales usados son 4 tipos de piedras, entre ellas un Coral fosilizado, lava volcánica y rocas calcaréas.

Formas

Gracias a los detalles huecos de estos materiales insinuando formas craterianas con entornos hostiles y faltos de vida se gana la visión extraña de lo abstracto de los elementos.

La arena desprendida de ellos nos da la sensación en alguna composición del cielo estrellado aprovechando los diversos tamaños.

La superficie del coral y la roca calcárea ofrece la profundidad de un abismo en la superficie de algún planeta inerte gracias al desenfoque haca lo oscuro y la textura granulada rojiza.

Colores

Se intenta mantener el aspecto puro de los elementos, un aspecto áspero, seco, duro además de que conserve el contraste fiel de sus formas.

En el caso del coral, la parte cálida de un color suave contrasta con sus formas extrañas y el abismo enigmatico en su oscuridad.

Referencias

A la hora de interpretar cuerpos astrales con elementos que tengamos a mano se tiene que incluir el artista noruego, Christopher Jonassen.

Este diseñador gráfico, fotografía a modo conceptual sartenes para visualizarlos como si fueran planetas, aprovechando las quemaduras, rayazos y manchas que las mismas ofrecen, asi dando una visión diferente a objetos comunes.

Datos técnicos

Escaner modelo: HP Scanjet 4300C

Profundidad de color: Color 36 bits totales

Resolución óptica: 600 ppp x 600 ppp

Espacio de color: AdobeRGB

Bibliografía

Noticia en el periódico digital “20 minutos”:

“http://www.20minutos.es/noticia/1186250/0/christopher-jonassen/fotografia/sartenes”

Serie: ENERGÍA

“La energía tiene tal vitalidad, que sobrevive a todos los desastres y provee a todos los esfuerzos.”

Hippolyte Taine

Objetivo

El objetivo principal de la serie “Energía” es conseguir que objetos inertes como pueden ser los hilos de cobre de un cable de casa o el plastico aislante pueden dar vitalidad y desprender un efecto tal, que se pueda comparar a grandes maquinarias por su fuerza motriz o incluso a los propios rayos electricos de estado natural.

Descripción

Se compone de dos materiales, hilo de cobre y aislante amarillo. El juego que da su flexibilidad y los colores que ofrece, dá una nueva visión en su forma negativa, descubriendo el mundo oculto de los materiales.

Formas

Las formas de estos materiales son tal que podemos manipularlos tanto como para hacer trazos limpios curvos como rectos.

Se puede moldear de tal forma que asemejen a las ramificaciones de los rayos.

Al ser un material semirígido nos ofrece la posibilidad de trabajar con la profundidad y asi darle una forma degradada en su desenfoque con el fondo.

Colores

Los colores es un elemento importante a la hora de usar el negativo, ya que al cambiar de tono, el efecto que se pretende conseguir tiene que ser concreto.

El color cobre se vuelve azul electrico, curiosamente igual que en su naturaleza mineral en forma de óxido cúprico, y el amarillo en color azul intenso.

Este último da el juego adecuado para trabajar con la profundidad, cuanto mas desenfoque tiene, el color va siendo mas nítido y así puede darnos las sensación de un movimiento rotacional.

Referencias

En estas 3 obras, nació de la idea de crear energía; indagando sobre ello encontré la fuente que me inspiró: Dave Archer

Este artista estadounidense, hace cuadros de pintura de vidrio inversa mediante un generador de TESLA, el cual aplica a los pigmentos de pintura que se situan debajo del vidrio. La idea de crear energía surgió de ahí incitandome a probar como hacer efectos de energía.

Datos técnicos

Escaner modelo: HP Scanjet 4300C

Profundidad de color: Color 36 bits totales

Resolución óptica: 600 ppp x 600 ppp

Espacio de color: AdobeRGB

Bibliografía

Wikipedia: Dave Archer “http://en.wikipedia.org/wiki/Dave_Archer_(painter)”

Web: “http://www.davearcher.com”

Maestro Alumno

2011-10-19T22:37:00.001+02:00

Hoy después de leer un post de un joven científico maestro, me he dado todavía mas de cuenta que hoy en día hay muy pocas personas que en el mundo del aprendizaje realmente quieran aprender.

Hoy en día hay más personas pendientes de ir a tomar un café, de tener títulos, de tener el facebook con muchos mensajes, o el twiter con muchos seguidores, el "presumir" de una gran vida social, de tener medio mundo viajado, de publicitarse, promocionarse y hacer un sinfín de marketing egocentrista... a pararse para pensar si realmente ama y disfruta con lo que hace, en la faceta mas sentida de cada uno.

Una persona que quiere aprender, se nota el entusiasmo de preguntar, de preocuparse, de indagar más allá que de lo dispuesto por sus maestros. El conformismo está hoy en día hasta en el aire, ¿porqué conformarse cuando hay un sinfín de posibilidades?

Últimamente leo mucho la expresión de "ya está todo hecho, ya está todo inventado", es una frase conformista, ya que, esta misma frase existía antes de las famosas redes sociales, antes de la invención de los móviles, antes también de la nueva moda retro, que a buen ejemplo, estaba ya inventada en su diseño y estilo propio de los 70-80 pero sin el toque gráfico del nuevo siglo. Lo cual, no estaba todo inventado.

No estaba inventado hacer fotografías de planetas simplemente con el culo de una sartén rallada, quemada, etc. Tampoco estaba inventado el hacer cuadros usando un TESLA a 1 millón de voltios sobre vidrio y pigmentos de pintura...

El don de aprender y el arte de querer aprender sin caer en el conformismo es una faceta rara hoy en día donde solo unos pocos maestros se ven motivados al encontrar a una persona capacitada para que tanto maestro como alumnos aprendan cosas nuevas y, quizás, algún día ser un inventor de lo ya inventado.

SpeedPaiting

2011-10-05T19:05:00.001+02:00

Hoy aprovecho entre trabajos para publicar 2 dibujos hechos desde Cero en PC.

El primero desde Mypaint, el segundo (este aun sin acabar) y tercero desde Photoshop. 2009.

2011-09-19T17:58:00.002+02:00

E aquí dos nuevos carteles en los que estuve trabajando estos días, (entre otras cosas como el nuevo logo de VX), para la Asociación VigoeXtreme donde colaboran el Concello de Redondela y el AMPA. Tamaño DIN A3.

Diseño del logo de VX Experience BMX

Link a la pagina anunciante

Influencias del Graffiti

2011-08-24T16:39:00.000+02:00

DESDE SUS INFLUENCIAS MÁS REMOTAS COMO LOS PROTAGONISTAS DE DIBUJOS ANIMADOS O LOS PERSONAJES DEL MITIFICADO DIBUJANTE DE CÓMICS VAUGHN BODÉ, EL GRAFFITI TOMA PRESTADOS ELEMENTOS DE OTRAS DISCIPLINAS DE LA ICONOGRAFÍA POPULAR COMO SUPERHÉROES DE CÓMIC, LOGOTIPOS DE MARCAS RECONOCIDAS O REALISMOS DE ESTRELLAS DE LA MÚSICA Y DEL CINE. CUALQUIER RECURSO ES VÁLIDO PARA COMPLEMENTAR UNA PIEZA O COMO TEMÁTICA PARA REALIZAR UN MURAL.

El graffiti, en cuanto a influencias se refiere, es un modo de expresión artístico indicativo de un estilo de vida urbano. Sus más directas influencias vienen dadas, pues, por otras expresiones culturales de la calle como puedan ser el rap o el break dance, de hecho es bastante estrecha la relación de estos tres elementos, aunque no siempre.

Además de la morfología en la escritura y en los estilos de letra de los tags, los throw-ups, wildstyles, etc. El graffiti toma prestados diversos elementos de la iconografía popular como el cómic o los cartoons (dibujos animados). De hecho, la primera y la más destacada influencia viene determinada por el trabajo de Vaughn Bodé (continuado por su hijo Mark Bodé), quienes fueron de los primeros artistas del cómic underground de la década de los sesenta y los creadores de personajes como: Deadbone, Junkwafel, Cheech Wizard o Belinda Bloom. Hoy en día no se puede hablar de la historia del graffiti sin mencionar a Bodé, quien fue objeto de homenajes y dedicaciones por parte de algunos escritores, por ejemplo Kel 129 o Dondi, o incluso su trabajo llegó a hacerse referencia en un tema del legendario grupo de Hip Hop Beastie Boys.Los personajes de Bodé sirvieron como complemento para las piezas de muchos escritores del antiguo metro neoyorkino, aunque hoy en día se sigue haciendo tributo a este artista underground de gran popularidad en la década de los sesenta asociado al movimiento hippie o en los noventa al hip hop.

Vaughn Bodé (años 80)

Como anécdota podríamos contar que destaca el cierto contenido erótico de los cómics de Bodé (sobre todo en los de la serie Erotica, plagados de mujeres desnudas) y que, precisamente, ésta es una de las principales razones de que los escritores tuvieran acceso a ellos. En los principios de gestación de la cultura la mayoría de los chicos que comenzaron a pintar tenían una media de unos catorce o quince años de edad, con lo que eran demasiado pequeños para consumir este tipo de revistas por lo que la casi todos ellos las tomaban “prestadas” de sus hermanos mayores.

La simple curiosidad de adolescente por el erotismo se convirtió (de manera indirecta) en una de las principales fuentes de inspiración de este arte, inspiración que incluso hoy todavía perdura. Efectivamente, seguimos viendo a Cheech y a Junkwafel en las piezas de muchos autores contemporáneos inspirados a su vez en los de primer generación.

También en sus inicios tuvo especial popularidad entre los escritores la figura del Santo (The Saint), un icono perteneciente a unas novelas basadas en una serie televisiva de carácter popular, que llegaba a reducirse tan esquemáticamente que parecía un monigote infantil o un pictograma.

Junkwafel

En el graffiti también se perciben ecos publicitarios muy fuertes, especialmente de los grandes carteles de los comercios urbanos y de las grandes marcas.

Graffiti y publicidad van en ocasiones estrechamente ligados, y es que, como dice El Tono,“el graffiti es publicidad, y en publicidad si no intentas aparecer por todos los lados, no existes”.

También son usados en este arte personajes populares de cómic o cine,textos o citas famosas, iconos universales como el símbolo de la paz... La razón puede ser doble: Simplemente el autor se identifica con la imagen representada o la representa precisamente para llamar la atención de los observadores que reconocen la imagen de una forma inmediata.

Bob Marley (Grafitti Pop Art)

También, aparte de elementos publicitarios, el graffiti llega a imitar logotipos de marcas o empresas reconocidas adaptándolos al nombre de su autor (método similar al utilizado por el Pop Art, que más que una limitación creativa supone un recurso innovador e ingenioso de reintrepretación). Aunque lo más común es representar personajes carismáticos entre el público adolescente, generalmente superhéroes como Spiderman, Batman, Superman... U otros más populares como Mortadelo y Filemón, Zipi y Zape o las más actuales Supernenas. También podríamos destacar la representación de personajes históricos, estrellas del cine o de la música (esto depende de los gustos personales del realizador).

También se representan ideologías, mensajes y hasta temas de actualidad de interés social como la droga, la liberación animal y hasta catástrofes humanas como la de las Torres Gemelas o la guerra de Irak, que ya han sido objeto de temática en algunas piezas y murales. En Francia fue muy frecuente durante algún tiempo las frases en piezas de escritores arremetiendo contra Chiraq y las pruebas nucleares.

Graffiti tattoo

Otra influencia directa sobre el graffiti es la del tatuaje (puerta de salida para muchos escritores) y que de manera recíproca influye en el estilo de las piezas de muchos. Esto se ve sobre todo en la representación de tribales, simetrías, o personajes y elementos típicos del tatuaje como corazones, puñales... Siempre en colores vivos y planos que tanto caracterizan a los tattos.

Como no, el arte influye también de manera directa en muchas de las obras. Se ha representado desde las míticas sopas Campbell de Warhol pasando pon una reinterpretación del Guernica de Picasso o incluso el arte fantástico de Rodney Matthews también ha recibido su homenaje. Aparte de estilos pictóricos o escultóricos, se ha llegado a representar, total o parcialmente, obras de arte tanto clásico como moderno, así obras de Leonardo da Vinci, Dalí, Van Gogh, Lienchestein o Giacometti entre otros, son acompañadas de piezas de escritores con un estilo de graffiti genuino. Como anécdota podría comentar -ya que parece algo casi obligatorio al hablar de graffiti en relación con el arte- es la atribución que se les a dado a personajes del mundo del arte neoyorkino de los 80 de escritores de graffiti. Hablo de Jean Michelle Basquiat y de Keith Haring.El primero, bajo el psudónimo de Samo parece ser (hasta donde he podido saber yo) que si que llegó a escribir su nombre en las paredes y en el metro. Pero queda totalmente fuera de lugar que fuese un hito y mucho menos un escritor activo en la época. De hecho, no he conseguido localizar ni una sola firma u obra suya fuera de otro formato que no fuese un lienzo o similar. Haring, por su parte, nunca se consideró un escritor de graffiti. Sin embargo, si se ha constatado que éste dibujaba en los carteles de las estaciones de metro (no en los vagones) iconos y símbolos típicos de su obra gráfica.

Street Art (Competición del 30º Aniversario)

Por último se podría mencionar la influencia que recibe el graffiti de disciplinas más actuales como el diseño gráfico, la ilustración o la estética de la nueva corriente conocida como Street art. Así, no es raro encontrarnos, aparte de temáticas con alguna de estas estéticas, piezas individuales de escritores en las que se perciben ecos de estas disciplinas, perdiéndose cada vez más la identidad, en algunos casos, del original diseño de letras y colorido típicas del graffiti tradicional. No es raro, pues, encontrarnos con motivos geométricos y formas poligonales, obras a sólo dos colores, recursos tipográficos, etc. En obras de escritores en las que lo que se supone es el factor principal del graffiti, el nombre del autor, se pierde en ocasiones de manera total o parcial. También podemos encontrarno con murales en los que la existencia de letras con morfología del graffiti es nula, llenando sin embargo el espacio con la representación de personajes o fondos realistas.

O también podemos encontrarnos con una integración de carteles o plantillas representando personajes, siluetas, tipografías o logotipos componiendo un mural de caracter urbano. Algunos son partidarios de estos avances, de estas nuevas tendencias calificadas como la evolución del graffiti, otros no lo ven así y piensan que estas manifestaciones poco tienen que ver con el fenómeno del writing neoyorkino.

Hay quien expresa abiertamente que lo que hace no lo califica explícitamente como graffiti, no sabiendo situarlo entre una obra de arte moderno o una de arte callejero. Hay quien incluso cobra dinero por pintar, la polémica y el debate sigue abierto... Muchas de las cosas que vemos hoy en día que se nos presentan como tal ¿son realmente graffiti?

Diseñar para [ GRANDES ] formatos

2011-08-11T14:11:00.001+02:00

Tamaño y resolución

La mayoría de las impresoras gran formato de la actualidad ofrecen una calidad de impresión de hasta 400 DPI, lo cual no quiere decir que necesariamente tengamos que diseñar a esta resolución o una mayor, ya que el software de las impresoras (RIPs) automáticamente convierte los archivos en archivos de impresión adecuados a la impresora o plotter.

En general la formula para hacer un diseño para gran formato es: escala / DPI. Donde la escala es el tamaño del archivo y los DPIs la resolución que deberemos dar.

La plantilla ideal para trabajar en un archivo para gran formato es escala 10% a 300DPIs

Que quiere decir esto, la escala es el tamaño del archivo, es decir si nuestro trabajo medirá 5 X 5 mts. debemos hacer nuestra plantilla de 50 X 50 cm. o sea 10 % de su tamaño real a 300 DPIs de resolución.

Tomando como base esta proporción podemos sacar la siguiente tabla:

Escala % DPIs

10 300

20 150

50 100

Tamaño Real 40-25

Un mayor numero de 300 DPIs nos resultara en archivos demasiado pesados para poder procesarlos en la mayoría de los RIPs de las impresoras y menos de 25 DPIs nos resultara en impresiones de mala calidad (borrosas o pixeleadas).Por otra parte podemos escalar un archivo de imagen es decir píxeles, hasta 12 veces su tamaño original sin que pierda calidad en su información de datos y se vea borroso o pixeleado, al contrario de un archivo con base en vectores que puede ser escalado al tamaño que queramos sin que se vea afectada su información. Un error común que se comete es pensar que a mayor peso de un archivo (megabytes) mejor calidad, en impresión para gran formato este principio no aplica.

Formato de archivo

Este punto es muy importante para definir la calidad de la impresión y la aplicación a la que va dirigido nuestro trabajo. Es decir si la impresión será para un espectacular que se vera a gran distancia o para un anuncio POP (punto de venta), una pancarta, la rotulación de un auto, etc.

Básicamente en gran formato se trabaja con tres tipos de formatos: JPG, TIFF y EPS y en una menor proporción PDF, aunque a momento de exportar los archivos a la impresora le RIP los convierta en archivos de impresión para cada plotter.

Si nuestro trabajo será expuesto para verse a gran distancia, por ejemplo una cartelera, un anuncio espectacular en un edificio, etc. Por cuestión de peso (mb) y tamaño de la impresión, los archivos en formato JPG son los adecuados para este tipo de aplicaciones, ya que como se verán a gran distancia no requieren de mucha calidad de impresión, es decir el punto o DPIs son muy abiertos.

Si por el contrario nuestro trabajo será para una pancarta, un póster, un anuncio POP, en general para verse a corta distancia, los archivos en formato TIFF y EPS son los adecuados ya que la información de datos de este tipo de archivos, es mucho mayor que en un archivo JPG, con el consecuente aumento de peso del archivo pero se compensa con el tamaño del mismo. Si nuestro trabajo tendrá muchos textos y vectores entonces un archivo con salida en formato EPS es el ideal, ya que este formato de archivo permite escalar los vectores sin que pierdan calidad. Un ejemplo. Tenemos un trabajo que tiene muchos textos de diferentes tamaños y solo una imagen de fondo o una fotografía, como suelen ser las pancartas, lo ideal es hacer nuestro diseño en un programa de vectores como Corel Draw o Illustrador y guardarlo como un archivo EPS, esto nos dará como resultado una impresión con líneas de texto y contornos mas definidos y claros.

Imágenes

Por ultimo, las imágenes a utilizar siempre deben ser con la mejor calidad y resolución posible, tratar de escanear una imagen mínimo a 400 DPIs de resolución, tratar de no utilizar una imagen que bajemos del Internet pero si la vamos a usar, que sea con la mayor resolución y tamaño que se pueda, tomando como base el principio de que la podemos escalar hasta un máximo de 10 veces sin mucha perdida de calidad. Existen muchas paginas y bancos de imágenes el la red con fotografías e imágenes a muy buena calidad.

Estos son, en mi particular punto de vista, los principales aspectos a tener en cuenta al momento de diseñar para gran formato, pero como siempre la práctica y la experiencia son nuestros mejores maestros. Esperamos estos puntos os sean de utilidad así evitareis dolores de cabeza tanto diseñadores como impresores y tendremos mas clientes satisfechos.

Soluciones de Imprenta

2011-08-11T13:55:00.000+02:00

Haciendo pequeña una entrevista a una imprenta, os pongo aquí cuestiones que se han de tener en cuenta a la hora de querer hacer un trabajo en buena calidad a la hora de imprimirlo en gran formato.
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¿Cómo debo ajustar el regulador de calidad de Photoshop si guardo el archivo en formato JPG?

Al ser archivos para impresión recomendamos que en todo caso se ajuste el regulador al máximo, para no perder nada en calidad de imagen.

¿ El modo RGB es un modo de color válido para el envío de archivos de impresión?

El color recomendable para la impresion es CMYK para la impresion digital u offset. En serigrafía solamente se utilizarán colores Pantone de la paleta Solid Coated, no obstante el color RGB puede utilizarse en el caso de la impresión digital aunque no es el más adecuado dado que estos colores pueden sufrir ligeras variaciones en su tonalidad. Por ello recomendamos en todo caso diseñar en modo de color CMYK para impresion digital y colores Pantone para serigrafía.

¿Que significa textos trazados o convertidos a curvas?

En cualquier programa de diseño los textos se realizan con unas determinadas fuentes, el trazarlas o convertirlas a curvas (según el programa elegido) nos evita que cuando recibamos su diseño nos requiera fuentes que es posible que nosotros no tengamos.
Todos los programas gráficos tienen esta función para convertir tus textos y tipografías a imagen o curvas, de esta forma al abrirlos en otros terminales de ordenador no requerirá de nuevo las fuentes, en especial los vectoriales Corel Draw, Freehand,..etc
Aunque si lo deseas puedes convertir u exportar tus archivos a JPG o a TIF y con esto las tipografías y todos sus componentes se trazarán automáticamente.
Al crear el documento en PDF desde cualquier programa existe la opción de integrar la tipografía necesaria en el archivo y en consecuencia dejando correctamente preparado el archivo para ser enviado e impreso.

Diseño ¿ Que son los márgenes de corte o sangrados?

Las guillotinas modernas necesitan cierto margen de corte seguro, que impedirán que se realice el corte por el diseño realizado. Por ello se requiere que se deje un margen de corte de 2mm o superior para evitar impresiones con errores y compensar esa tolerancia de corte. Normalmente cortamos el margen de corte por completo dejando un diseño terminado limpio.
Los elementos gráficos que se extienden mas allá del borde deben alcanzar como mínimo la superficie de corte, así podremos garantizar que no quedará ninguna superficie en blanco, entre el elemento gráfico y el borde del papel después de cortar el margen de corte del documento.
Es imprescindible que añadas a todos los documentos de serigrafía o impresión digital un mínimo de 3mm de margen de corte con el objetivo de poder asegurar una correcta impresión y acabado.

¿Que es definición de color?

Para obtener resultados más exactos en los colores, debes utilizar los colores basados en colores Pantone de la paleta Solid Soated (imprescindible para serigrafía), o colores CMYK para el resto de impresiones digitales, pequeño formato, grán formato o imprenta.

¿Que es la resolución de una imagen?

Es la calidad con la cual esta realizada una imagen. Con el fin de que puedas conseguir un trabajo de óptima calidad, necesitamos que nos envíes tu diseño a una resolución mínima de 300dpi x pulgada, y siempre utilizando imágenes o fotografías de calidad para incorporar en tus diseños, evitando utilizar las imágenes de Internet que en la gran mayoría de las ocasiones son de baja calidad.

Para impresión digital son válidos tanto los archivos de formato vectorial como los basados en píxel.

PhotoShop
Illustrator
Corel Draw
Freehand
jpg, tif, eps etc
O cualquier programa que pueda a exportar a archivos tif o eps en calidad profesional siguiendo las siguientes recomendaciones .

Pequeños tamaños- El diseño se realizará a tamaño real siempre y cuando no supere los 150cm de ancho o largo, alejando los textos de los laterales utilizando fotografias e imagenes de calidad.

Impresión digital gran formato. El diseño se realizará al 10% del tamaño de impresión real y a una resolución de 300 pixeles x centimetro, evitando acercar los textos a los laterales para evitar ser mordidos por los margenes de corte. Por ejemplo para la impresión de una lona de 5metros x2mts , el tamaño de diseño adecuado será de 50x20cmt a una calidad de 300pixeles por centímetro.

Formato de color a utilizar

El modo de color CMYK es el recomendado para este tipo de impresión, diseñando en cada caso según las siguientes recomendaciones

Fuentes

Una vez hayas acabado tu arte final recuerda que has de trazar los textos o si no sabes como hacerlo nos envíes los archivos de fuentes utilizadas junto con tu diseño.

Resolución.

Es necesario recibir los archivos con una calidad mínima de 300pixeles x centimetro o resoluciones similares para programas de vectores.

¿Qué NO debo hacer para diseñar en impresión digital grán formato?

Utiliza en todo momento fotos de alta calidad. Evita a toda costa incorporar fotografías o imágenes de Internet ya que estas no son validas para impresión por su baja calidad y resolución.

No pegues los textos a los laterales para evitar que sean mordidos a la hora de colocar los ollados o los refuerzos perimetrales.

Enredate SNG

2011-07-22T09:45:00.000+02:00

Logotipo para una empresa de TIC's, Gestión de Innovación y Desarrollo y Redes Sociales.

Elementales

2011-07-18T20:23:00.000+02:00

Aqui la carta 01 de Tierra y 4 Cartas Elementales de Agua, Fuego, Naturaleza y Rayo.

Los 6 Elementos

2011-07-18T20:19:00.000+02:00

Agua, Aire, Fuego, Naturaleza, Rayo y Tierra, son las cartas "As" modelo para la nueva expansión del juego Koi-Koi.

Logo Carisma

2011-07-18T19:37:00.000+02:00

Proyecto de logotipo

Shiva, Final Fnatasy [2010]

2011-07-11T11:29:00.002+02:00

Intercambios de color

2011-07-09T14:23:00.002+02:00

El cielo, junto con los ángeles, siempre o casi siempre se suelen interpretar como celestiales y de ahi los colores azules y cianes.

En cambio, el Infierno es el color del calor, del fuego y son siempre colores agresivos como el rojo.

Si nos tomamos los colores como tal, los azules y cianes son colores fríos, y los rojos y amarillos son colores cálidos.
El demonio suele ser algo maligno, algo que se intenta repeler, algo frío.
Los ángeles al contrario, son como una ayuda, como un don y la idea para con ellos es tenerlos cercanos, como un guardián, alguien de confianza, alguien que aporta calidez y tranquilidad.

Con este planteamiento propuse el ángel con un entorno cálido y al demonio como algo distante y frío.

Estilos Artisticos

2011-07-02T12:14:00.000+02:00

E aquí diferentes estilos Artísticos de donde saco ideas, inspiraciones y ayudan a potenciar la imaginación y perspectiva.

Lolita Gótika (2010)

2011-07-02T11:56:00.000+02:00

Lápiz base y sombras, y color tramado en Photoshop.

Demonio

2011-06-29T17:57:00.001+02:00

Ilustración de un Demonio hecho a lápiz H3, pintado con Lápices de colores Brunyzeel, y retocado en Photoshop en Cuarteado para darle un estilo de cómic.

Acid Proyect (Ourense, 2010)

2011-06-28T00:23:00.000+02:00

Grupo de Rock/Heavy.
Imagotipo en base a su propio nombre. Expresa la inquietud y explosión en el mundo de la música mediante salpicaduras que nos recuerdan a la efervescencia. Plasma con colores contrastados la calidad de un buen sonido y gran composición en su tinte informal que tiene este estilo de música. Trazos orgánicos y poligonales le dan el toque actual sin perder la esencia salvaje.

Aldova (Ourense 2010)

2011-06-27T20:22:00.002+02:00

Rediseño de logotipo usando brandings para actualizarlo.
En la parte superior, el diseño antiguo (1983)

Mario Bros.

2011-06-27T19:59:00.001+02:00

Un estilo diferente por e1n, con un toque de "mala leche".

Logos

2011-06-27T19:32:00.003+02:00

Dos logos freestyle inspirados.

C B Arquitectura - (Irixo, 2010)

2011-06-27T17:03:00.000+02:00

Logotipo para empresa de Proyectos Arquitectónicos.
Símbolos geométricos de los cuales destaca unificación, perfección y actualidad.
Formas que reflejan la vanguardia, base y mejora. La linea vertical anima a la superación y al adelanto.

i Latina TV - (Madrid,2010)

2011-06-27T16:53:00.001+02:00

Logotipo para canal de Televisión Latina (Madrid). Descripción Gráfica: Símbolos limpios que describen profundidad e informalidad. 2 Tintas. Color contrastado donde se destaca la Calidez. Al ser formas uniformes rompen lo estático y se engloba en un conjunto.

Shiva

2011-06-25T02:24:00.003+02:00

Diseño de personajes

2011-06-25T02:15:00.000+02:00

Tatuaje

2008-09-22T11:35:00.001+02:00

Un encargo que tuve (14/09/08), el de un bufón chulesco y con tendencia gotika.

- Hecho en lápiz de 105x155mm.

- Saliendo de la piel y dando la sensación de relieve, tal y como lo pidieron y dando toques de mi estilo, lineas reforzadas, sombras de profundidad...

A partir de eso os pongo alguna prueba de retoques a partir de bocetos darles formas realistas cambiando los parametros de contraste e iluminación jugando con texturas y formas.

Bocetos 01

2008-09-14T19:51:00.000+02:00

Probando nuevos estilos y diferentes diseños inspirado en elfos os dejo con estos esbozos hechos a lápiz, en el cual el diseño inferior está basado en el juego del World of Warcraft.

- Bocetos hechos con portaminas en un tamaño de 105x155 mm, definiendo las lineas de trazo según la presión que ejerces sobre las mismas.